Música tradicional de Japón ...

... Bueno, en realidad no soy un buen conocedor de la música de Japón, teóricamente hablando. Cierto es que con el tiempo y cierta dosis de curiosidad he ido reuniendo una pequeña colección, que sigo engrosando cuando puedo

Antes que nada unas aclaraciones sobre el tema, dicho por expertos, claro:

Durante siglos, los instrumentos musicales han cantado al espíritu de Japón y mecido los corazones de los japoneses. Los instrumentos de viento japoneses tienen una historia de más de 1.000 años, mientras que los de cuerda fueron introducidos en el país tan sólo en el siglo 18. Ellos han ayudado a crear el color de la música japonesa, evolucionando al tiempo que las artes representativas tradicionales. Kamisango Yuko (Profesor honorario de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música)

Normalmente los intérpretes, vestidos con ropas tradicionales, tocan instrumentos como el shamisen y el sakuhachi. Y, aunque pareciese que toda la música tradicional japonesa suena igual, los expertos la clasifican en 50 o incluso 80 estilos diferentes. Sólo un puñado de géneros son puramente instrumentales, la gran mayoría son canciones con acompañamiento instrumental. Toda la música vocal cuenta con una sola línea melódica, incluso cuando hay más de un cantante. Así mismo, la mayoría de las canciones es acompañada por un solo tipo de instrumento.

La música tradicional japonesa se clasifica de acuerdo con la articulación del cantante, el tipo de instrumento y el timbre (color tonal) de la voz y el instrumento. Por ejemplo, gidayu-bushi, bunraku narrativo, tokiwazu-bushi, canciones Kabuki, y naga-uta, canciones líricas, son todas interpretadas con el acompañamiento del shamisen y, sin embargo, las ordenamos en diferentes géneros cuando los timbres de voz o el instrumento son diferentes. En otras palabras, cada género cuenta con su propio timbre vocal e instrumental.

Aún así, existen pocas diferencias en cuanto al timbre entre un género y otro. Esto es verdad tanto para la voz como para los instrumentos. No obstante, los músicos consideran importante esas ligeras diferencias, y se aseguran que los timbres no se mezclen o se fusionen entre ellos. Esta es una de las razones por las que los géneros han sido clasificados con detalle. Esta preocupación por las sutiles diferencias de timbre son fuertemente subrayadas en la forma de los instrumentos y en el estilo de interpretación.
Los instrumentos de la música tradicional japonesa, como los instrumentos de otros países, pueden ser ampliamente agrupados en tres categorías: percusión, viento y cuerda.

El timbal, kotsuzumi, es un pequeño instrumento de percusión. La mayoría de los tambores japoneses son tocados con dos baquetas, pero en el caso del kotsuzumi se hace con los dedos. Para mantener el timbre de una manera exacta, los percusionistas escuchan cuidadosamente el sonido y ajustan la tensión de las cuerdas que aprietan la badana al barril. A veces, incluso soplan la badana para intentar mantener la humedad necesaria para obtener un determinado tono. A los extremos de la caja se le ajustan dos piezas de piel. Este timbal es colocado frente al hombro derecho, manejado con la mano izquierda y golpeado con los dedos de la mano derecha. Durante la actuación, se tensan las cuerdas para ajustar la membrana y cambiar el volumen. Utilizado en Noh, Kabuki y otras artes tradicionales escénicas. Diámetro: cerca de 20 cm

El shino-bue, flauta de bambú, es uno de los instrumentos de viento. Cuando acompaña a un cantante en una obra de Kabuki, el flautista elige entre 12 variedades de este instrumento para conseguir el registro deseado (espectro musical). En los festivales locales, se utilizan por esa razón 2 ó 3 shino-bue. Estos ejemplos, muestran las dificultades que encuentran los músicos para producir el timbre adecuado para cada música.

De todos los instrumentos tradicionales japoneses, el más famoso es el shamisen. Este instrumento de cuerda es apto para muchas de las interpretaciones tradicionales, ya que es capaz de producir un amplio espectro tonal.
Se dice que el shamisen está basado en el sangen chino, que llegó a Japón a través de las Islas Ryukyu (actual Okinawa). El shamisen está construido con una estructura de madera cubierto con una piel de animal tensada. Las tres cuerdas, que se extienden desde la caja hasta el extremo del mástil, son rasgueadas con la ayuda de una púa grande. Cuando el shamisen llegó por primera vez a Japón se tocaba con un pequeño uñero, pero los músicos de biwa, una especie de laúd de mástil corto, que fue introducido en Japón con anterioridad al shamisen y es interpretado con una púa, cambiaron ésto. Los músicos de biwa utilizaron su púa para tocar el shamisen, consiguiendo un más amplio espectro de tonos.

Cuando la púa golpea el shamisen, desde arriba, no sólo actúa en las cuerdas, sino también en la piel. Esto le añade un sonido cercano al timbal. Por otra parte, cuando la púa es aplicada desde abajo, no roza la piel y los sonidos son más delicados. Otra de las técnicas es rasguear las cuerdas con los dedos de la mano izquierda en lugar de utilizar la púa, lo que produce un timbre más agradable. La habilidad del shamisen para crear gran variedad de tonos es su característica más peculiar. El tono del shamisen también puede ser cambiado modificando las cuerdas, el mástil y la púa - cambiando su tamaño, grosor y peso, o utilizando diferentes materiales en su construcción. Hay cerca de 20 tipos de shamisen, cada uno con un preparado y tono diferente. Los músicos eligen el más adecuado para el tipo de música que van a interpretar. Todas las variedades de shamisen tienen la misma longitud, aunque el mástil, las cuerdas y la púa pueden variar significativamente, creando un registro que puede variar hasta una octava entre un instrumento y otro.



Algunas veces, el shamisen acompaña a un narrador que cuenta una historia en voz alta. En ese caso, los músicos necesitarán cuerdas y púas gruesas. Sin embargo, cuando se trata de una geisha, cantando una canción de amor, se necesitan cuerdas con timbre delicado. El acompañamiento del Kabuki y las breves baladas kouta también requieren de timbres diferentes, por lo que fue modificado el shamisen para adaptarse. También han sido ligeramente modificados otros instrumentos tradicionales, para producir el timbre deseado, y, con el mismo objetivo, los propios músicos hacen los convenientes ajustes durante la actuación. Vemos, por tanto, que la música tradicional japonesa es bastante variada. Esta variedad se consigue, principalmente, con las diferentes técnicas utilizadas para crear un amplio espectro tonal - el color del sonido japonés.

El shakuhachi es una flauta sin lengüeta. Utilizada para acompañar canciones folclóricas y otros tipos de música tradicional. También se utiliza en la interpretación de música moderna. Longitud: 55 cm




El sanshin es un instrumento de cuerda casi siempre utilizado en interpretación de música tradicional de Okinawa. Se dice que es el prototipo del shamisen. La caja está cubierta con piel de serpiente y las cuerdas son rasgueadas con un uñero en el dedo índice. Longitud: 80 cm

El instrumento de percusión representativo por excelencia de la música tradicional de Japón es el llamado taiko. Una piel de animal es cosida alrededor de la caja. Los tambores se utilizan en actuaciones folclóricas en todo Japón. Sus tamaños varían - algunos se pueden tocar a mano y otros son más altos que los propios percusionistas. Conocido como kodo el más prominente de todos.

Otro instrumento de percusión es el chijin, tambor utilizado en actuaciones folclóricas de las islas de Okinawa. Se puede hacer variar su sonido ajustando la tensión de la cuerda que la sujeta a la caja. Diámetro: unos 23 cm

El sho es un instrumento de viento formado por 17 tubos estrechos de bambú (dos son meramente decorativos). Es una variedad de flauta. Tiene lengüeta y puede producir acordes de hasta seis notas diferentes. Se utiliza fundamentalmente en la música gagaku de la corte. Longitud: unos 50 cm.



Kagura-bue, ryuteki y koma-bue son tres flautas traveseras utilizadas en el gagaku. Están hechas de bambú. Tanto el interior como el exterior son lacados. Longitud: unos 45 cm (kagura-bue), 40 cm (ryuteki) y 36 cm (koma-bue).

El curioso y ancestral hora-gai se crea cortando un extremo de una concha construyéndose así este instrumento de viento. La mayoría posee boquilla. Se utiliza fundamentalmente en ceremonias religiosas. El tamaño varía entre 20 y 50 cm.

El da-daiko es un tambor grande utilizado en gagaku normalmente se decora con un motivo que representa las llamas de un fuego.

Hichiriki es una flauta de doble lengüeta utilizada en la música gagaku. Fabricada en bambú, tanto su interior como exterior es lacado. Longitud: unos 18 cm

La charumera es una flauta de madera con doble lengüeta, utilizada para recrear ambiente chino en las obras de Kabuki. Longitud: unos 30 cm

Biwa, como comenté arriba las cuatro cuerdas de este pequeño laúd son rasgueadas con una púa grande. Se utiliza para acompañar al koto y otros instrumentos, durante las ceremonias religiosas y en actuaciones de música moderna. Longitud: unos 95 cm




El gekkin es un instrumento de cuatro cuerdas introducido desde China en el siglo 18. Se toca con uñero al igual que el sashin. Es utilizado para acompañar canciones folclóricas y otras músicas tradicionales japonesas, también con otros instrumentos como el koto. Longitud: unos 70 cm

Introducido en los s. IX y X, tenemos el koto. Al comenzar la puesta en escena para tocar el koto el intérprete se arrodilla justo en el centro, con su espalda hacia la cámara. Las 13 cuerdas se rasguean con uñeros en los dedos pulgar, índice y medio, de la mano derecha. Pueden actuar en conjunto varios koto. Es uno de los emblemas de la música tradicional de japón, aunque también se utiliza en música moderna. Longitud: unos 180 cm




El llamado mukkuri es un ancestral y tradicional instrumento del pueblo Ainu, de Hokkaido. Su sonido surge tirando de las cuerdas instaladas en una delgada placa de bambú. La boca sirve de caja de resonancia.

El Binzasara son piezas de madera mantenidas juntas mediante cuerdas. Se sostiene por sus asas con una distancia aproximada al tamaño de los hombros. Al apretar tratando de juntar las manos, las piezas de madera chocan entre sí produciendo el sonido. Utilizado en la música folclórica tradicional.
(fuentes: Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música, Nipponia, etc.)

Hasta aquí esta introducción a los instrumentos de la música clásica y tradicional del País del Sol Naciente. Más tarde hablaré de estilos que ya he nombrado en alguna ocasión y a ello uniré subidas de alguno de los compactos de este género que tengo en el PC.

Un saludo melo-neko tachi.

Itsumo 51er, banzai!!

'La música es el verdadero lenguaje universal.' Carl Maria von Weber

... Siempre hay una primera vez y, dicen, siempre se recuerda


Japanese Traditional Music 1 - NOUGAKU -
Descripción: 9 piezas de música tradicional japonesa para nôh. Siempre con un conjunto de cuatro instrumentos, llamado hayashi y que consta de una flauta y tres tipos de tambor, tales como el tambor de hombro o kotsuzumi, o el de cadera, llamado otsuzumi; más un tercero, normalmente de tipo taiko.

Japanese Traditional Music 2 - GAGAKU -
Descripción: 12 piezas de música cortesana japonesa, podéis leer la explicación anterior para comprender mejor el uso de instrumentos variados que suelen intervenir, tales como el koto, diferentes tipos de shamisen y flautas, etc.

Japanese Traditional Music 3 - KABUKI -
Descripción: Introducción más 8 piezas del tradicional kabuki japonés, con interpretación vocal original y acompañamiento de instrumentos típicos.

Japanese Traditional Music 4 - BIWA -
Descripción: 6 piezas originales de música tradicional japonesa para biwa.

Japanese Traditional Music 5 - SHAKUHACHI -
Descripción: 7 impresionantes piezas de música tradicional japonesa para shakuhachi.

Espero que os guste ongaku no sineko tachi.



Itsumo 51er, banzai!!

'La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando.' Pablo Picasso

Una de las características de la música tradicional japonesa son sus ritmos dispersos y la carencia de acordes regulares, el ritmo de esta música está atado a los ma (間) o intervalos y los silencios son de una importancia crucial en la interpretación de las piezas. a diferencia de la música occidental la música japonesa fluye intentando reflejar el sentimiento provocado por la naturaleza. El tempo comenzando lento, se hace cada vez más vívido y rápido, para luego volver a la lentitud y, finalmente, la calma. Las composiciones suelen tener una estructura de tres partes llamadas jo-ha-kyū. Su estructura consta de una introducción, una parte a modo de relajamiento en la sección central, y un efecto de aceleración hacia el final de la obra. Esta disposición se conserva en gran parte de la música japonesa y se aplica tanto a las frases musicales individuales como a las composiciones en su conjunto.

De los estilos más antiguos conocidos está el Shōmyō (声明 o 聲明 u hombre gordo cantante) Era la ironía al hablar del vientre promiente de los monjes. Este estilo consiste en la recitación coral de los sūtra, bajo una melodía simple y sin acompañamiento musical, propios de la liturgia budista. Aunque ya se practicaba en el período Nara (710-784), fue nuevamente importada desde China por los monjes Saichō (最澄, 767- 822) y Kūkai (空海, 774-835) que dieron nacimiento a las dos tradiciones: Shōmyō Tendai (声明天台) y Shōmyō Shingon (声明真言). El Shōmyō influyó fuertemente en la música, sobre todo en el heikyoku (平曲), declamaciones del Heike monogatari (平家物語), y en el yōkyoku (謡曲), declamaciones del teatro Nō (能).

Las honkyoku ("piezas originales") se remontan al siglo XIX a. C.. Son piezas para solo de shakuhachi ejecutadas por los monjes de la secta mendicante Fuke de budismo Zen. Estos monjes, llamados komusō ("monjes de la Vacuidad"), ejecutaban honkyoku para las limosnas e iluminación. La secta Fuke dejó de existir hacia finales del siglo XIX, pero actualmente continúa una tradición escrita y oral de numerosos honkyoku, si bien esta música es hoy a menudo ejecutada en conciertos o escenarios musicales.



Otro estilo muy conocido de la antiguedad es el Gagaku música de cámara interpretada en la corte imperial desde la Era Heian (794-1185) con la que es común asociar los poemas del Hyakunin isshu. El gagaku se divide en piezas instrumentales (管弦 o kangen) y piezas de danza con acompañamiento de instrumentos (舞楽 o bugaku).



Influenciado por la dinastía china Tang, el gagaku inicial tomó nombre como 唐楽 tōgaku (música T'ang) un estilo instrumental con elementos chinos y de India, se supone que llega a tierras japonesas a través de las próximas Corea y Manchuria. El komagaku es un estilo igualmente instrumental, pero que descarta el uso de instrumentos de cuerda, predominando flautas y un tambor principal. Las orquestas gagaku pueden contar con hasta 17 músicos entre los instrumentos de viento-madera, de cuerdas pulsadas y percusión. Entre los instrumentos de viento se incluye una flauta del tipo conocido como ryûteki, un hichiriki, y un shô. Las frases de la música se marcan mediante los sonidos del kakko, el taiko y un pequeño gong llamado shôko. La música de gagaku utiliza seis modos o escalas de origen chino, todas ellas derivadas de dos escalas pentatónicas básicas: ryo (re, mi, fa sostenido, la, si, además de sol y do sostenido como notas auxiliares) y ritsu (sol, la, do, re, mi, además de si y fa como auxiliares). Los compases de la música de gagaku son básicamente de dos tiempos.

La clase bushi (samurais) a menudo escuchaban y tomaban parte en la ejecución de actividades musicales y danza como parte de sus prácticas para enriquecer sus vidas y conocimiento.

En teatro nō (能), una de las manifestaciones más destacadas del drama musical japonés, se generó a partir de varias tradiciones populares y hacia el siglo XIV se había convertido en un arte altamente refinado. Kan'ami (1333-1384) y Zeami (1363?-1443) lo elevaron a su posición de máxima sofisticación. En particular Zeami fue autor del núcleo del repertorio Noh y fue autor de muchos tratados sobre los secretos de la tradición Nō (de reciente introducción en era moderna).

El conjunto instrumental en una obra nō o hayashi, solía incluir biwa, kotsuzumi o tambor de hombro, ôtsuzumi[/i] o tambor de cadera y una faluta del tipo nô-kan que señala las divisiones formales dentro del drama, añade color a los momentos líricos y acompaña a las danzas, para las cuales también se usa el tambor taiko. Los acompañamientos de biwa establecían unas estructuras melódicas y rítmicas que solían representar emociones o situaciones específicas.

Otro uso de piezas musicales destaca en el teatro de títeres o marionetas o ningyō jōruri (人形浄瑠璃, marionetas e historias contadas), a menudo llamado 文楽. bunraku, este teatro de marionetas también posee raíces populares y se desarrolló especialmente durante Chonin en el período Edo (1600-1868). La forma musical más famosa usada en las obras de marionetas se llama gidayū. Generalmente es acompañado por versos recitados, en varios estilos de jōruri (浄瑠璃 o recitación) acompañados de música shamisen. Otro uso conocido del shamisen es la música utaimono o pieza lírica de entretenimiento hogareño, muy popular a partir de 1500, así como las piezas duales de shamisen y koto, llamadas kumiuta, originariamente, la música de ambos instrumentos era una colección de canciones cortas no relacionadas entre sí. Sin embargo, la música koto desarrolló algunas formas que son totalmente instrumentales y otras que son en parte vocales. Un ejemplo de forma totalmente instrumental es el danmono, que es un tema con variaciones. Un ejemplo de combinación instrumental y vocal es el jiuta, en el que se alternan las voces y los instrumentos. En los interludios instrumentales se usan de uno a tres kotos, a los que suele añadirse un shamisen y un shakuhachi


El 歌舞伎 kabuki, teatro japonés tradicional que se caracteriza por su drama estilizado y el uso de maquillajes elaborados en los actores, kabuki se traduce usualmente como el arte de cantar y bailar, otras como teatro experimental o extraño. existiendo piezas musicales expresamente compuestas para su acompañamiento musical. La forma principal de la música de danza en el kabuki es el nagauta, interpretado por el grupo instrumental del nō y el shamisen.

La música folclórica japonesa, de origen muy antiguo, existe básicamente bajo las formas de una música de carácter religioso, canciones de trabajo y acompañamientos a la danza. Los entretenimientos folclóricos, como los bailes de máscaras, el teatro folclórico y las danzas comunales, incluyen partes musicales y acompañamientos. Las tribus del norte de Japón, como los ainus, tienen una tradición musical distinta que sugiere vínculos ancestrales con el norte de Asia.

Bueno, hasta aquí las explicaciones, espero que os hayan ilustrado un poco más, en algunos enlaces encontraréis información extendida) ...

Saludos sineko tachi.

Itsumo 51er, banzai!!

'El teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la humanidad se enfrenta a sí misma.' Arthur Miller

... Bueno, otra tanda de música tradicional japonesa, esta vez más centrada sobre todo en el instumento zen/meditación por excelencia: el shakuhachi, una flauta de bambú sin lengüeta (de la que ya hablé más arriba) muy usada por los monjes mendicantes komusō.
Pertenecían a la secta Fuke del budismo zen. Los komusō practicaban el suizen, un tipo de meditación en la que sólo tocaban piezas con shakuhachi llamadas honkyoku.



El Arte del Shakuhachi - Katsuya Yokoyama
Descripción: Yokoyama Katsuya fue uno de los más grandes maestros de shakuhachi de Japón, perteneciente a la generación de post-guerra. Nació en Shizuoka en 1934 y estudió los estilos de música Kinko-ryu y Azuma con su padre, Rampo Yokoyama, y ​​su abuelo, Koson Yokoyama. A la edad de 25, Yokoyama comenzó a estudiar con Fukuda Rando, fundador de la Escuela de Azuma y con Watazumido-Shuso, un legendario maestro Fuke que intentó sintetizar la música shakuhachi y la espiritualidad en el contexto del budismo zen. Guiados por estos dos eminentes maestros, Yokoyama fue capaz de combinar el modernismo de Rando, con el tradicional espíritu profundamente religioso de Watazumido en su formación. Con esta base, llegó a desarrollar un estilo muy poderoso y creativo que encarna los dos extremos del continuo. Un verdadero descendiente de la tradición Kinko transmitida de generación en generación, que también fue pionero en una revolución en la música moderna que se extendió por todo el Japón de su tiempo. En 1960, Yokoyama completó sus estudios en el Centro de Formación de Música Tradicional Japonesa NHK y, un año más tarde, formó Shakuhachi-San Jyuso-dan, un trío dedicado a la promoción de nueva música para el instrumento. En 1963, fundó la Nihon Ongaku Shudan (Grupo de Música de Japón) y el Shakuhachi Sanbon-kai (Grupo de los Tres Shakuhachi) con el maestro kinko Aoki Reibo y el maestro en Tozan Hozan Yamamoto. Este grupo histórico ayudó a establecer un nuevo género de la música para trío de shakuhachi. En 1967, Yokoyama fue seleccionado por el reconocido compositor Toru Takemitsu para llevar a cabo el estreno de "November Step", una composición moderna para shakuhachi, biwa y orquesta dirigida por Seiji Ozawa y la Filarmónica de Nueva York. Desde su apertura hace más de treinta y cinco años, Yokoyama ha ha interpretado cientos de veces esta épica pieza por todo el mundo. Katsuya Yokoyama fue jefe de la Asociación Chikushin-kai Shakuhachi. Él ha sido perceptor de numerosos premios, entre ellos el Geijutsu Sen-sho (Premio de Arte) en 1971, el Geijutsu-sai Yushu-sho (Premio a la Excelencia Artística) en el año 1972, el Gran galardón en el Festival de Arte Geijutsu Tai-sai-sho en 1973, dado por la Agencia para Asuntos Culturales y el Premio Ongaku no Tomo-sha en 1991. En 1988, fundó el Yokoyama Kokusai Shakuhachi Kenshu Center (Centro de Formación Internacional de Shakuhachi), ubicado en Bisei-cho, Okayama, Japón, donde organizó el primer Festival Internacional de Shakuhachi en 1993. Este acontecimiento precipitó la fundación de la Sociedad Mundial de Shakuhachi y el Festival que se celebra en Boulder, Colorado en 1998. En este encuentro, cinco de los más grandes maestros shakuhachi del mundo, incluyendo Yokoyama, se habían reunido en un mismo lugar por primera vez. En 2002, el gobierno japonés honró al artista por toda una vida de logros otorgándole el prestigioso Shiju Hosho (Medalla de la Cinta Púrpura). Murió en 2010, dejando tras de sí un rico legado de la tradición shakuhachi con el mundo.


Koten honkyoku II - Yokoyama Katsuya
Descripción: 7 piezas para shakuhachi en este estilo.


Maestros de Shakuhachi - Tajima Tadashi
Descripción: Tajima Tadashi nació en Sakai, Osaka en 1942. Comenzó a estudiar shakuhachi al entrar en la Escuela de Kinko, donde se entrenó con Sakai Chikuho en el dominio de la clásica honkyoku shakuhachi (honkyoku es un término que se refiere a la música shakuhachi desarrollada en los siglos XVII y XVIII por los monjes Zen como una forma de lo espiritual la práctica y la meditación). Más adelante en el desarrollo de Tajima, Sakai, conmovido por la pasión de Tajima para interpretar, le presentó a un nuevo maestro, Yokoyama Katsuya. A la edad de 29 años, comenzó a estudiar con Yokoyama-sensei que, aunque originario de la Escuela de Kinko, había estudiado varios años con un músico peculiar con el nombre de Watazumido-Shuso quien destacó con flautas muy largas y añadir un montón de respiración dificultosa que el sonido resultante. Yokoyama hizo este estilo popular entre los intérpretes y devotos de shakuhachi, y Tajima es considerado como uno de sus mejores y más conocidos estudiantes. Quien ha tocado y viajado por todo el mundo, incluyendo América del Norte, China, Europa y Australia. Fue galardonado con el premio de la música tradicional japonesa en el Festival Pan Musik, y el premio a los logros de teatro y musicales de la Organización para las Artes de Osaka. Además de conciertos tradicionales, también ha experimentado interpretando el shakuhachi en varias localizaciones espaciales y sonoras, incluyendo un oratorio en un santuario sintoísta, en la superficie de un lago, o el interior de una cueva.


Música tradicional japonesa
Descripción: 30 piezas de variados estilos incluyendo gagaku, piezas folklóricas, etc.


Piezas Maestras para Shakuhachi
Descripción: 7 piezas para este instrumentos de gran calidad. Varios estilos.


The art of Japanese koto - shakuhachi & shamisen - Yamato Ensemble
Descripción: Hasegawa Aiko nació dentro de una familia de tradición musical, comenzó a tomar de su propia madre lecciones a la edad de cuatro años, para proseguir con el profesor asistente Ando Masateru de la Universidad de Arte Gedai, donde se graduaría en 1987. Dio la conferencia inaugural del curso para koto en la Yamato Shimin Open Uneversity. Ganó el 2º premio en el 25º Certamen de la Asociación Miyagi. Ha interpretado para la Academia de la Comunidad Europea y representó a la Fundación Japonesa y el Ministerio de Asuntos Exteriores en Centro América en 1989. Su gran concierto en solitario llegó en 1994 e interpretó en 2000 el shamisen en el estreno de una ópera de Ikuma Dan. Es miembro del Grupo Concertístico Miyagi y del grupo "Tenebroso".
Hasegawa Makoto comenzó sus clases de koto a la edad de cuatro años y de shamisen con catorce. En 1986 estudió con Ando Masateru y se graduó en Educación Musical en Gedai y en 1997 se diplomó en Musicología. Ganador del primer premio de interpretación de koto de la Asociación Miyagi en 1998, sus dotes para hablar y dar conferencias sobre música y el suministro de notas de programa, frecuentemente son aclamados. Ha tomado parte activa en la difusión de la cultura japonesa por todo el mundo, particularmente en Alemania, Costa de Marfil, Australia y, dando un concierto para la propia familia real, Nepal. Interpreta y enseña en los Distritos de Kakamigahara, Gifu y Yamato-shi en Kanagawa. Es miembro de prominentes asociaciones Hogaku (música tradicional japonesa) y dirige el Grupo Concertístico Makoto-koto.
Satoh Kikuko aprendió koto y shamisen a temprana edad de su madre, a los 25 completó el Curso de Formación Técnica en la NHK (Corporación Japonesa de Radiodifusión). Graduándose en 1986 en la Universidad de Arte Gedai, consiguiendo el Doctorado en Música en 1987. Posteriormente ha recorrido América, Turkía, Hungría, China y Rusia en concierto. Fue profesora asistente en Gedai entre 1994 y 1996, pasó los siguientes años realizando grabaciones para NHK. Es miembro de la Asociación Miyagi y ha realizado grabaciones con el grupo Matsu-no-o y es conferenciante del (I.C.A.) Centro Cultural Edo.
Richard Stagg Es un intérprete orquestal de flauta que ha estado estudiando e interpretando shakuhachi durante más de veinte años. Autodidacta en un principio tuvo la inmensa suerte de tomar clases sustanciales con el eminente profesor Iwamoto Yoshikazu. En la actualidad enseña, interpreta, e incluso fabrica, afina y repara shakuhachis, uniéndose así al creciente número de artistas no japoneses que valoran este idiosincrático instrumento tradicional.


Espero que os guste. Un saludo muy grande sineko tachi.


Itsumo 51er, banzai!!

'En algún sitio algo increíble espera ser descubierto.' Carl Sagan